Эпоха Возрождения (РЕНЕССАНС)

Идеи гуманизма, возникшие в Италии XIV века, получили наибольший расцвет во Флоренции XV века. Происходит радикальный переход от средневековой философии к философии эпохи Возрождения, вдохновленной вновь открытыми и переработанными эрудитами того времени, текстами Античности (греческими и латинскими). Человек оказывается в фокусе внимания как центр мироздания, главное творение по Божественному « образу и подобию», он призван реализовать Божественный замысел. По мнению гуманистов, человек добр, свободен и ответствен. Глубоко верующие, мыслители того периода желают реформировать христианство, зачастую чувствуя необходимость вернуть его к чистоте учения Евангелистов. Идеи эти послужили мощным толчком к созданию многочисленных шедевров той эпохи. Центром гуманизма стала Флоренция, процветающая, благодаря многочисленным ателье по производству шерстяных тканей. Наиболее богатые коммерсанты превращаются в настоящих банкиров и наживают огромные состояния. Развито меценатство и покровительство художников, музыкантов и мыслителей того времени. Одними из самых известных меценатов был Козимо де Медичи, активный флорентийский политический деятель, а затем его внук Лоренцо, прозванный Великолепным. Итальянские художники, вдохновленные вновь открытым древнегреческим и древнеримским искусством, изображают человека в пространстве гармонии, симметрии и красоты. Новые техники построения пространства, такие как перспектива, изучение формы, света и тени, позволяют достичь совершенства в изображении натуры.


Взгляни на свет и восхитись его красотой. Закрой глаза, а потом снова открой.

То, что ты видел раньше, исчезло, а то, что ты увидишь потом, ещё не появилось.

Кто же воспроизводит его, если работник (свет) находится в постоянном движении?

Леонардо да Винчи.



Еще одним из важнейших достижений того времени, стало появление первых типографий. С 1434 года немецкий первопечатник Иоанн Гутенберг в своем ателье создает способ книгопечатания подвижными литерами, оказавший огромное влияние не только на европейскую культуру, но и на всемирную историю. Уже в конце XV века типографии появились в 236 европейских городах и было издано около 10 миллионов книг. Возникновение книгопечатания помогло быстрому распространению идей гуманизма.

С конца XV века итальянский Ренессанс завоевывает всю Европу. Новая эпоха Великих Открытий меняет представления человека о мире, наступает время экспедиций, важных географических и научных открытий. Франция одной из первых воспринимает новые идеи. Этому способствуют военные компании короля Франциска I (фр. François Ier, 1494 -1547, годы жизни) по завоеванию Милана в союзе с венецианцами. Франциск, под влиянием своей сестры Маргариты Наваррской, одной из первых женщин-писательниц во Франции, покровительствует книгопечатникам. Они издают произведения Лефевра д'Этапль (фр. Jacques Lefèvre d'Étaples), французского гуманиста, теолога, философа, теоретика музыки, математика, преподавателя Парижского университета, переводчика на французский язык Нового завета и Псалтири, и Гийома Буде. Гийом Буде - филолог, крупный специалист по древнегреческой культуре, основатель Коллеж де Франс и библиотеки в Фонтенбло, давшей начало Национальной библиотеке Франции. Коллеж де Франс вводит новые дисциплины, такие как греческий, иврит, география, математика и философия. Был независим от Сорбонны и финансировался из королевской сокровищницы. В тот же период Рабле пишет своего Гаргантюа.


Влюбленный в Италию, впечатленный пышностью дворов итальянской знати, Франциск I приглашает Леонардо да Винчи поселиться во Франции. Универсальный гений, одновременно великий художник и выдающийся инженер, Леонардо, принимает приглашение короля и поселяется в замке Кло-Люсе в долине реки Луары под городом Амбуаз. Когда Франциск бывал в Амбуаз, замке, где прошло его детство, он бывал у Леонардо, беседовал с ним. Да Винчи делал эскизы великолепного замка Шамбор – охотничьей резиденции короля. Благодаря этому переезду, национальная сокровищница Франции пополнилась такими шедеврами, привезенными великим мастером во Францию, как «Иоанн Креститель», «Святая Анна» и знаменитая «Джоконда».


Франциск I во время молитвы, витраж часовни Сент-Шапель в Венсенском замке.
Николя Борен, около 1555 г.


С именем Франциска I связан целый период развития французского искусства. В 30-х годах XVI века король-меценат решает расстаться с долиной Луары и перенести место пребывания двора в Париж. Он занимается переустройством дворцов Лувра и Фонтенбло. Тогда же в Иль де Франс возникло целое созвездие малых резиденций короля и его приближенных. Для осуществления придворных замыслов привлекались самые прославленные скульпторы, архитекторы и живописцы не только Франции, но и Италии: Микеланджело, Бенвенуто Челлини, Андреа дель Сарто. Наверное не было в Италии того периода ни одного значительного мастера, не получившего щедрых предложений от посланников французского короля. И если приглашаемый отказывался работать, как, например, патриотически настроенный Микеланджело, то французы стремились по крайней мере купить его произведения, закладывая тем самым основу одной из лучших в мире музейных коллекций.

Создателями нового направления во французском искусстве стали два итальянских художника: в 1530 году во Францию приехал флорентиец Джованни-Баттиста Россо или Россо Фьорентино (1494-1540), а в 1531 – Франческо Приматиччо (1504-1570) из Мантуи. Оба итальянца обосновались в Фонтенбло – охотничьем замке короля. Украшение новых зданий стало главным делом новой мастерской, где работали французские и итальянские художники, скульпторы, плотники, резчики по дереву, золотильщики, ювелиры и изготовители гобеленов. Мастерская получила название школы Фонтенбло. Нимфы, Дианы-охотницы, обнаженные и полуобнаженные аллегорические персонажи и портреты придворных красавиц стали главной продукцией французских и итальянских художников школы Фонтенбло. Для них характерны общность стиля, изысканность и манерность с легким оттенком фривольности, в сочетании с фантазией и декоративностью. В стенах нового дворца Фонтенбло монарх любил проводить время со своей фавориткой Анной Этампской.


Галерея Франциска I во дворце Фонтенбло.

С именем Приматиччо, который возглавлял королевскую мануфактуру с 1540 года, связывают апогей развития искусства в этот период, получивший название второй школы Фонтенбло. Многочисленные гравюры иллюстрируют этот стиль, проникший во все виды изобразительных и декоративно-прикладных искусств, от живописи до ювелирики.


Франческо Приматиччо, XVI век.

Покои герцогини д'Этамп. Замок Фонтенбло.

Говоря об эпохе Возрождения и о развитии декоративно-прикладного искусства в этот период, мы можем выделить две основных эпохи:

- Ранний Ренессанс совпал со временем правления короля Франциска I (1515-1547) и характерен внедрением декора, типичного для эпохи итальянского Возрождения, во французское средневековое мебельное производство. Готические формы сочетаются с новым декором, пришедшим из Италии. Вдохновленные античным периодом в искусстве, мастера используют орнамент, характерный для того времени. Также популярным мотивом являются медальоны с профилем человека. На первых порах во Франции, в отличие от Италии, старое и новое переплеталось настолько тесно, что историки до сих пор затрудняются определить, когда же закончилось Средневековье и началось Возрождение. Причудливое соединение этих двух направлений и сделало французский Ренессанс ярко выраженным и самобытным.

- Поздний (или второй) Ренессанс родился в период правления Генриха II (1547-1559), когда возникает маньеризм и большее разнообразие предметов мебели. Появляется двухкорпусный шкаф. Резные орнаменты становятся более затейливыми. Ножки мебели представляют собой туловище кариатиды, вместо ног которой вырезалась конусообразная ножка («Pied en gaine»). Другое название этого мотива - «les termes», созданы Югом Самбаном (Hugues Sambin, годы жизни примерно 1520-1601), выдающимся мастером той эпохи. Используются элементы в виде лап льва и маскарон*.


Юг Самбан, XVI век, двухкорпусный шкаф, музей Лувр, Франция.

Следует также упомянуть период перехода к стилю Людовика XIII, который возник еще во время правления Генриха IV (1594) и продлился до 1661 года, когда на троне сидел уже Людовик XIV.

Для эпохи Возрождения характерен чрезвычайный взлет фантазии при создании более или менее рельефного скульптурного декора, однако мебель французского Ренессанса характерна монохромным тоном дерева. Что касается разнообразия изделий, то, за редким исключением, мебель той эпохи скорее является образцом художественной красоты, а не изделием особого комфорта. Эпоха Возрождения характерна расцветом мастерства эбенистов, резчиков, переплетчиков, ювелиров, создателей изделий из художественных эмалей (в первую очередь, Лимож), керамистов, таких, например, как Лука делла Роббиа (1400-1482, Флоренция, ведущий флорентийский скульптор кватроченто, которого Вазари называет изобретателем глазурованной терракоты) в Италии и Бернар Палисси (1510-1589, французский естествоиспытатель и художник-керамист) во Франции, производство фаянса в Оарон (Les Faïences d'Oiron) и в Урбино. Также эта эпоха характерна как расцвет мастерства в производстве замков и ключей, кованых изделий, усовершенствование техник ткацкого мастерства, как, к примеру, техника протягивание золотых и шелковых нитей позволила создавать более легкий и грациозный рисунок. В мебельном производстве наблюдается развитие орнаментального декорирования, придающего ценность изделию за счет мастерства исполнения, а не просто за счет ценности используемых материалов.

Скажем несколько слов о развитии декоративных искусств и производстве предметов обихода, использование которых очень характерно для того периода (впрочем, как и для последующих). Речь идет о витражах, посуде и различных предметах из эмалей.

Венеция доминирует в производстве европейского стекла. Её влияние распространяется вплоть до Голландии. Кубки из выдутого стекла покрывают эмалью и позолотой. В пятнадцатом веке, служившие многовековой традиции торговли Восточного Средиземноморья, венецианские стеклодувы разработали новый состав стекла на основе отбора очень чистых материалов. Это помогло производить стеклянную посуду такой прозрачности, которой раньше мастера не достигали ( отсюда и название Cristallo, ссылка на горный хрусталь). Муранские стеклодувы, долго работавшие с горячим стеклом, при помощи специальных форм добивались создания наиболее сложных очертаний и большего разнообразия цветов, что вывело их продукцию в ранг изысканных изделий, имевших большую популярность среди элит.


Кубок с гербом Анны Бретонской, Венеция, 1498-1514 гг.

Музей ренессанса, Экуа́нский за́мок или замок Экуа́н (фр. château d'Écouen)


Кубок из музея Ренессанса прекрасно иллюстрирует то, что это было стекло, демонстрировавшее престиж владельца, сам кубок, по всей видимости, не использовался, а выставлялся в демонстрационной части серванта. Его силуэт в форме чаши украшен рельефными декоративными элементами, которые напоминают рифленую чашу (фр. d’une coupe à godrons), популярное изделие французской ювелирики.

Как и остальная демострационная посуда, венецианские стеклянные изделия имели символику их владельца: здесь нанесенный эмалью щит, разделенный на две символические части - Англию и Францию, увенчанный короной, принадлежит Анне Бретонской, дважды королеве Франции, женившейся подряд на Карле VIII, затем на Людовике XII. По этому факту можно утверждать, что кубок был создан до 1514 года, до года смерти королевы.


Венецианские кубки, XVI век.

©Photo Les Arts Décoratifs, Paris/Jean Tholance.

Под влиянием Ломбардии и Венеции, во второй половине XV века работы по росписи эмалями возобновляют в Лиможе*. На смену техники выемчатой эмали*, приходит техника художественной эмали*. Созданная в Лиможе, эта техника распространяется по Европе. Изделие из меди покрывают одним цветом, затем обжигают. После первого обжига фактическая картина выполняется с использованием цветных эмалей, затем изделие опять отправляется в печь.


Август, урожай

Тарелка, Лимож около 1570 г., полихромные эмали.

©Photo Les Arts Décoratifs, Paris/Jean Tholance.



Возникшая около 1530 года техника гризайли* (в XIII веке эта техника применялась при создании витражей) заключалась в следующем: на слой темной эмали после обжига наносили слой белой. Рисунок наносился путем частичного удаления белого слоя при помощи металлической иглы или специального шпателя. После второго обжига некоторые части могли быть покрыты эмалью повторно, до получения тонкого, смягченного рисунка. С прибытием в Лимож епископа Жана де Ланжака (фр. Jean de Langeac), большого ценителя искусств и капеллана короля с 1532 по 1541 год началась новая эра для лиможской мануфактуры. Множатся заимствования итальянских сюжетов с их характерными элементами, такими как витые колонны, полог, увенчанный раковиной и путти*.


Кубок, Пьер Реймон, Лимож, примерно 1550 г.

©Photo Les Arts Décoratifs, Paris/Jean Tholance.

Золотой век гуманизма пробудил в кругах элит тягу к познанию. В это время появляются первые кабинеты редкостей*, как зеркало мира, вмещающие в себя разные редкости, сообразно интересам владельца, от античных медальонов до зубов нарвала. Тяга к коллекционированию состоятельных людей послужила к созданию мебели хранения коллекций. Мебельщики создали особый шкаф с дверцей и несколькими полками. Шкаф получил название кабинет. Расцвет его популярности пришелся на XVII век, так как рост коллекций увеличивал количество шкафов-кабинетов, для которых отвели особую комнату. Чуть позже название шкафа стало использоваться и как название комнаты с коллекциями.

Шкаф-кабинет стал полем для экспериментов мебельных мастеров. Появились шкафы настольные, небольшие по размерам и крупные, на ножках-колоннах с дополнительной полочкой у пола, которую тоже стали использовать для размещения ракушек или ваз. Позже многие из этих коллекций стали музейными экспонатами, а сами по себе кабинеты редкостей явились прообразом музея.

Также популярность приобрели деревянные панно, выполненные в технике интарсия*.


Панно, выполненное в технике интарсия. Север Италии, конец ХV — начало ХVI века

©Photo Les Arts Décoratifs, Paris/Jean Tholance.

Настольные кабинеты имели несколько полочек, а дверцы, (первоначально без стекла), украшали маркетри (деревянной мозаикой), резьбой, металлическими накладками и т. п.. Позже появилась дверца со стеклом, что позволяло сразу видеть содержимое полок. Шкафы-кабинеты увеличивались в размерах и позаимствовали стилевые признаки своего времени — маньеризма, барокко, рококо, их орнаменты или детали архитектуры. В XX веке они сами стали предметами коллекционирования различными музеями. Подзабытый тип мебели в конце XX века вновь появился среди изделий модных дизайнеров, часто имея иное функциональное использование (Джимми Мартин, розовый кабинет для коктейлей).


Римские фрески в Domus Aurea Нерона.

Первые посетители, вновь открывшие приблизительно в 1480 году в Риме руины «Золотого дома» (лат. Domus Aurea), построенного Нероном в 64-68 гг. после Рождества Христова обнаружили законсервированные временем подземные залы (или гроты). Именно от слова грот (grottes) берет свое начало термин гротеск* (ит. Grottesco, фр. Grotesque), и характеризует декоративный орнамент, которым расписаны стены и своды «Золотого дома». Состоящий из великого множества персонажей и животных, как реально существующих, так и химер, гирлянд, завитков и ламбрекенов, декор этот поразил художников своей фантазийностью. Многочисленные коллекции гравюр по найденным моделям быстро распространили гротескный декор по всей Европе. От мебели до текстиля, от ювелирики до производства стекла, керамики или настенных росписей, гротескный декор объял все виды декоративно- прикладных искусств как лесной пожар. Школа Фонтенбло создала множество помпезных его вариаций. Эта стилистическая революция повлияла на европейский декор нескольких последующих веков.


Гротеск на желтом фоне, шерсть, Флоренция 1546-1560

©Photo Les Arts Décoratifs, Paris/Jean Tholance.


Гротеск на черном фоне, Фонтенбло, примерно 1550 г.

©Photo Les Arts Décoratifs, Paris/Jean Tholance.

А теперь рассмотрим несколько объектов мебели того периода, дошедших до наших дней и хранящихся в музее Декоративных искусств Парижа.

Гардеробный шкаф Лионской школы, приписываемый Югу Самбану, конец XVI века, имеет горельеф*, как нельзя лучше отражающий игру света и тени. Чувствуется вкус к богатому орнаментальному декорированию. Свежесть и характер образов указывает на то, что, возможно, они являются иллюстрацией сонетов знаменитой поэтессы из Лиона Луизы Лабе (1524-1566). Или же соблазнительницами из Blasons*(«Блазонов»), демонстрирующие краcоту женского тела, написанные Морисом Сэвом (1501-1560) и его современниками.


Гардеробный шкаф, Лионская школа, Юг Самбан, XVI век

©Photo Les Arts Décoratifs, Paris/Jean Tholance.

Более грубый по исполнению скульптурного декора, но не менее интересный с точки зрения истории искусств, итальянский стул-scabelli («скамеечка» со спинкой) расписан и позолочен и представляет собой забавное нагромождение фруктов, листьев и игривых масок.


Sgabello, резной орех, расписан и позолочен.

Венеция, XVI век.

©Photo Les Arts Décoratifs, Paris/Jean Tholance.

Несмотря на то, что взирая на мебель того периода и сталкиваясь с таким размывающим очертания обилием декора, сама форма и пропорции двухкорпусного шкафа из Иль де Франс подтверждают главенствующую роль архитектуры.


Двухкорпусный шкаф.

Частично позолоченный орех, инкрустации мрамора.

Иль-де-Франс, конец XVI века.

©Photo Les Arts Décoratifs, Paris/Jean Tholance.

Это великолепный пример типичной для того времени мебели, относящийся к периоду второго (позднего) французского Ренессанса. Двухкорпусный шкаф украшен позолоченными фигурами, и, более того, прямоугольниками и медальонали из инкрустаций мрамором, богатая фактура которого прекрасно гармонирует с цветом и фактурой ореха, из массива которого и был выполнен этот шкаф. Похожие инкрустации мрамором появляются в тот период и на фасадах Лувра, реконструированного Пьером Леско (фр. Pierre Lescot; 1515 - 1578 гг.) для Франциска I . Их все еще можно увидеть в Квадратном дворе.



Крыло Леско, Лувр.

Невероятно простой по своему декору, без сомнения выполненный именно таким по просьбе заказчика, гардеробный шкаф из Иль-де-Франс имеет все черты стиля Жака I Андруэ Дю Серсо, архитектора и гравёра второй половины XVI века, основателя династии архитекторов.


Гардеробный шкаф в стиле Жака I Андруэ Дю Серсо.

Орех, Иль-де-Франс, вторая половина XVI века.

©Photo Les Arts Décoratifs, Paris/Jean Tholance.

Вытянутые конические колонны, просто отделанные панно, карнизы, с далеким от вычурности профилем, украшают элегантный фасад шкафа. Через свои гравюры Дю Серсо распространял сюжеты итальянской античности. Несомненно, этот человек повлиял на развитие искусства того периода своими трудами, такими, например, как «Les plus excellents bastiments de France» («Самые прекрасные здания Франции», 1576-1579 гг.)

Именно в XVI веке формы сидений становятся более разнообразными, текстиль по-прежнему играет роль барометра роскоши. Часто мебель обивают роскошными тканями. Намечается некоторая траектория развития формы и стилистики мягкой мебели, которая достигнет своей кульминации в эпоху Людовика ХV. Предназначенный, как гласит его название, облегчить переговоры какетуар, caquetoire или caqueteuse (от caqueter - фр. болтать, кудахтать) расширяется вперед чтобы было удобнее расположить вертюгаден (фр. vertugadins; нижняя юбка из плотной ткани, в которую вшивали металлические обручи. В конце XVI века ширина его внизу значительно увеличилась).


Какетуар из дуба, Франция, конец XVI века.

©Photo Les Arts Décoratifs, Paris/Jean Tholance.

Подобный стул, снабженный подлокотниками, в основном используется во Франции и является одним из самых известных предметов мебели эпохи французского Возрождения. Какетуар часто ассоциируется с группами женщин, которые сидели и беседовали. Благодаря моде того времени и отсутствию систем отопления в домах, женщины надевали несколько слоев юбок и подъюбников, чтобы сохранить тепло. Часто это мешало им комфортно расположиться в креслах с прямоугольными сиденьями. Поэтому сиденье изменило форму, оно стало трапециевидным как бы расширяясь вперед вместе с подлокотниками, так что женщины в нарядах с широкими юбками на жестком каркасе могли легко сидеть и болтать, сплетничать.
Эти стулья часто были сделаны из грецкого ореха или дуба часто с искусной резьбой. Они были смонтированы при помощи врезных шипов, так, что никакие открытые гвозди и клей не нужно было использовать.

Если мы ближе ознакомимся с живописными сюжетами, например, ателье Клуэ или других художников того периода, то увидим сколь было распространено изображение обнаженной Венеры или прекрасной дамы. В искусстве чувствуется атмосфера рафинированного эротизма и не случайно Ренессанс вдохновляется красотой человеческого тела. Интересно наблюдать, как какой-либо сюжет, появившись в один исторический период, множится, усовершенствуется и, с течением времени, на подготовленной почве возникает какое-то принципиально новое слово в искусстве. Конец века всегда переходный период, transition. Так случилось, что из подобрых сюжетов уже в XVII веке выкристализуется стиль барокко.


Венера и Амур, укравший мед.

Лукас Кранах-Старший, Германия 1535 г.

©Photo Les Arts Décoratifs, Paris/Jean Tholance.

Эпоха Возрождения, как и любой другой исторический период, была насыщена не только великими достижениями, но и большими трагедиями. Гражданские войны, интриги и интервенции, борьба с зарождающимся протестантизмом и разного рода «еретиками», и, как следствие, раскол католической церкви, рынки работорговли, возникшие после открытия Колумбом Америки, не могли не отразиться на характере искусства. Под влиянием чувства бессилия перед обстоятельствами, изменилось и отношение к ценностям Возрождения. В конце XVI века развитие французского искусства связано с новым течением в искусстве – маньеризмом*. Темы мистических видений и Страшного суда и, как противоположность, изображения придворными художниками дворцовых празднеств, процессий и маскарадов, стали основными сюжетами изобразительных искусств того периода.


маскарон*- (фр. mascaron, итал. mascherone) — вид скульптурного украшения здания в форме головы человека или животного анфас. Маскароны, в отличие от горгулий, могут также носить комический, нейтральный или романтический облик. Как правило, маскарон размещается на видном месте: в замке арки, над оконным или дверным проёмом. В России маскароны появляются в архитектуре петровского барокко начала XVIII века.

Распространённые виды маскаронов:

Купидоны

Фантастические маски-гротески периода барокко

Маскарон-Нептун, укрощающий фонтан

Копии греческих масок в архитектуре классицизма

Львиная голова, также типичная черта классицизмаe retour de l'enfant prodigue

Женская головка в архитектуре модерна

Лимо́жская эма́ль* (фр. émail de Limoges), прежде известная как лиможская работа (фр. Œuvre de Limoges, лат. Opus lemovicense) — специальная техника обработки изделий из эмали, называемая выемчатой эмалью, которая появилась в середине XII века во французском городе Лиможе, исторической провинции Лимузен. Получив глубочайшее признание в государствах западной Европы, эмальеры прекратили использовать эту технику в середине XIV века.

Далее, в течение XIV и XV веков получили распространение ювелирные изделия, где по рельефу предмета наносилась полупрозрачная эмаль, но лиможские мастера почти не работали в этой технике. Впоследствии, начиная с конца XV века, во Франции появилась новая технология изготовления предметов эмали — художественная эмаль, известная также как раскрашенная эмаль. Очень быстро художественная эмаль, подобно выемчатой эмали в своё время, стала монопольно производиться в лимузенских мастерских.

В настоящее время при производстве изделий эмали одни мастера используют классическую технику, а другие — обновлённую современными достижениями технологию.

Выемчатая эмаль* Первоначально техника заключалась в том, что на медных пластинках вырезались выемки (отсюда название техники – выемчатая эмаль), которые заполнялись стекловидной массой с добавлением оксидов металлов. При обжиге эта масса приобретала цвет и прочно сплавлялась с медной основой, которую покрывали позолотой.

В дальнейшем большое распространение получила техника перегородчатой эмали. Она состояла в том, что нарезанные из тонкого медного листа полоски припаивались к основе в виде узора, соответствующего контурам рисунка. Затем каждая ячейка, образованная такого рода перегородками, заполнялась цветной эмалью, и после просушки изделие проходило обжиг. Некоторые мастера, напротив, полностью покрывали эмалью фон, который они украшали растительным орнаментом или надписями, а фигуры гравировали и золотили.

Художественная эмаль* От техники перегородчатой эмали старая школа эволюционировала к живописи, близкой к станковой. Общей чертой старой школы является праздничное сияние росписи, которое усиливалось введением в нее линий и пятен золота и так называемых кабошонов — рельефных капель эмали на подкладке из золотой или серебряной фольги. Знаменитый мастер — Н. Пенико.

Около 1530 формируется новая школа. Изделия этой школы (блюда, чаши, кувшины) носят в основном светский характер, украшены в технике гризайль с прорисовкой золотом, помогающей достичь впечатления рельефности изображения. Известнейшие мастера новой школы: Жан Кур, Пьер Куртей, Жан II Пенико, К. Нуайе, П. Реймон (с 1513 до 1580), Л. Лимозен (до 1577, основатель династии, поддерживал индустрию благодаря тому, что ввел в моду художественные эмали при дворе). Используются копии работ Дюрера , Рафаэля, для лиможцев рисует Жан Клуэ. В богатых и разнообразных орнаментных композициях, обрамляющих изображения мифологических, аллегорических и библейских сцен, заметно переосмысление образцов маньеристического искусства художников школы Фонтенбло. В середине 17 века эмальерное дело переходит в руки ювелиров и миниатюристов. К началу 18 века замирает и производство эмалевых сосудов. Лиможская эмаль не выдерживает конкуренции с фаянсом и фарфором.

Гризайль* (франц. grisaille, от gris — серый), вид живописи (преимущественно декоративной), выполняемой в разных оттенках какого-либо одного цвета (чаще серого).

Пу́тто*, мн. ч. путти (лат. putus — маленький мальчик), Аморе́тто (букв. «Амурчик» лат. amoretto, уменьшительное от лат. amor — любовь) — образ мальчика с крыльями, встречающийся в искусстве Ренессанса и барокко. Символизирует предвестника земного или ангельского духа. Происходит из греческой и римской мифологии.

Кабинет редкостей, или кунсткамера* (англ. Cabinet of curiosities, нем. Wunderkammer, Kunstkammer) — комната для размещения и хранения тематических коллекций, состоящих из естественно-научных экспонатов или разнообразных древних, редких и курьезных вещей, как природных, так и рукотворных. Кабинеты редкостей появились в Европе в XVI веке, их расцвет пришёлся на XVII век — период барокко. Такие коллекции создавались, как правило, либо представителями высшей аристократии, либо учёными-натуралистами, врачами и аптекарями. Чрезвычайный рост коллекций привел к специализации в собирательстве, а в дальнейшем к созданию тематических музеев

Интарсия* - Инта́рсия (от итал. intarsio - инкрустация), вид инкрустации на деревянных предметах (мебели и т. д.): фигурные изображения или узоры из пластинок дерева, разных по текстуре и цвету, врезанных в поверхность деревянного предмета. Наивысшего расцвета интарсия достигла в Италии в XV в. . Считается предшественницей маркетри.

Интарсия представляет собой инкрустацию деревом по дереву. В углубления основы из дерева вкладывают деревянные пластинки-вставки, которые отличаются от основы текстурой и цветом. Понятия «интарсия» и «инкрустация» часто употребляют как слова-синонимы в разговоре о мозаике по дереву. Это не нужно считать ошибкой, несмотря на то, что понятие «инкрустация» гораздо шире.

Гротеск* (от фр. - причудливый, затейливый; смешной, комический, от итал. - грот) — вид художественной о́бразности, комически или трагикомически обобщающий и заостряющий жизненные отношения посредством причудливого и контрастного сочетания реального и фантастического, правдоподобия и карикатуры, гиперболы и алогизма. Часто это изображение людей, предметов, деталей в изобразительном искусстве, театре и литературе в фантастически преувеличенном, уродливо-комическом виде; своеобразный стиль в искусстве и литературе, которым подчеркивается искажение общепринятых норм и одновременно совместимость реального и фантастического, трагического и комического, сарказма и безобидного мягкого юмора. Гротеск обязательно нарушает границы правдоподобия, придает изображению некую условность и выводит художественный образ за пределы вероятного, осознанно деформируя его.

Горелье́ф* (фр. haut-relief — высокий рельеф) — разновидность скульптурного выпуклого рельефа, в котором изображение выступает над плоскостью фона более, чем на половину объёма изображаемых частей[1]. Некоторые элементы могут быть совсем отделены от плоскости. Распространённый вид украшения архитектурных сооружений; позволяет отобразить многофигурные сцены и пейзажи.

Горельефы из камня, бронзы и других материалов часто используются как декоративные элементы в архитектуре или самостоятельные художественные композиции. Некоторые детали изображения на горельефе иногда только соприкасаются с фоном, а иногда совсем отделяются от него. Иногда фигуры в горельефе выглядят как круглые статуи, приставленные к плоскости стены.

Хорошо известный пример горельефов — сцены на Пергамском алтаре.

Blasons*- Блазоны (букв. прославление) Blason является формой поэзии. Термин первоначально происходит от термина во французской геральдике и означает кодифицированное описание герба. Термины "blason", "воспевание", "blasonneur" были использованы во французской литературе 16-го века поэтами, которые, следуя Маро в 1536 году, практиковали своего рода стихи, которые хвалили женщину, выделяя различные части ее тела их нахождение.

В конце 1535 года по инициативе находившегося в ту пору в Ферраре Клемана Маро состоялся конкурс блазо́нов о женском теле — поэтических фрагментов, посвящённых той или иной части тела прекрасной дамы. «Толчком для организации этого конкурса послужила гривуазная эпиграмма — «blason» Маро "О прекрасном соске".»[4] Вслед за Маро, по словам М.М. Бахтина,

«поэты эпохи стали наперебой блазонировать различные части женского тела: рот, ухо, язык, зуб, глаз, бровь и т.п.; они производили буквальное анатомическое разъятие женского тела.»

Морис Сэв, французский поэт XVI века и глава лионской поэтической школы, сочинил блазоны «Бровь» (Sourcil) и «Слеза» (Larme); именно им отдала предпочтение покровительница Маро, супруга Эрколе II д’Эсте Рене Французская. Наряду с сочинениями Антуана Эроэ, Клода Шаппюи и других поэтов они вошли в сборник «Анатомические блазоны о женском теле» (Les Blasons Anatomiques Du Corps Féminin, 1536). Позднее Сэв сочинил ещё три блазона: «Чело» (Front), «Перси» (Gorge) и «Воздыхание» (Soupir).

Маньеризм* (Mannerism, итал. maniera - стиль, манера), термин, употребительный в теории изобразительного искусства. Стал популярным благодаря художнику и биографу 16 века Вазари, который характеризовал им высокую степень грациозности, уравновешенности и утончённости в искусстве. Однако с 17 века большинство критиков, полагая, что итальянское искусство 2-й половины 16 века переживало упадок по сравнению с вершинами, достигнутыми в период Высокого Возрождения (Ренессанс) Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэлем, термин "Маньеризм" относили к искусству, которому свойственны метафорическая насыщенность, пристрастие к гиперболе и гротеску. В результате Маньеризм стали называть стиль, воспринятый школами итальянского искусства, прежде всего римскими, в период между эпохами Высокого Возрождения и Барокко (около 1520- около 1600 гг.).

Для Маньеризма характерны удлинённость фигур, напряжённость поз (контрапост), необычные или причудливые эффекты, связанные с размерами, освещением или перспективой, и яркие цвета. В ваянии провозвестником Маньеризма был Джамболонья, в искусстве которого, оказавшем огромное влияние на его современников, сочетаются причудливость поз с изысканной плавностью и элегантностью форм. К ведущим скульптурам-маньеристам относят Бенвенуто Челлини. Маньеризм в архитектуре также трудноопределим, как в живописи и скульптуре, но часто подразумевает осознанное презрение к установленным правилам и классическим традициям.

За пределами Италии маньеристами иногда называют представителей школы Фонтенбло во Франции, нидерландских художников 16 века (многие из них восприняли идеи Маньеризма, побывав в Италии) и Эль Греко в Испании. В литературе и музыке термин "Маньеризм" применяется ещё шире, чем в изобразительном искусстве и архитектуре. Так, "маньеристскими" именуют литературные произведения, которым свойственна витиеватость слога, усложнённый синтаксис и использование причудливо-фантастических образов.



Список литературы, использованной для написания статьи:

1) «1000 Chef-d'œuvre des Arts décoratifs» Victoria Charles

2) Энциклопедия “Искусство” ред. М. Аксенова

3) «Guide de Musée des Arts Décoratifs»

4) «Reconnaître les styles de mobilier» Alice Dupont

5) «Histoire de la France» Henri del Pup et Robert Pince

6) “Мысли Леонардо да Винчи” издательство Clos Lucé

Для коротких пояснений мы использовали толковые электронные словари и справки из Википедии.





Рекомендуемые товары